Gallery of Arts

"Гранд-канал, гондолы у причала. Венеция"
1907 г.
Джон Сингер Сарджент
Национальная галерея искусства, Вашингтон.

Большую часть сознательной жизни Сарджент провел в поездках по Европе и миру. Впрочем, путешествовать он начал еще даже до своего рождения. Фицуильям и Мэри Сарджент не оставались в одном месте подолгу: зимы они проводили во Флоренции, Риме или Ницце, а на лето перебирались в Альпы и другие прохладные регионы. С удовольствием и энтузиазмом перенявший кочевой образ жизни родителей, Джон Сингер Сарджент путешествовал не только и не столько ради собственного удовольствия, сколько ради жадного поглощения знаний и впечатлений, ради новых и новых открытий, и главное – непрерывной работы. Но если просмотреть все полотна художника, можно заметить, что в один город он возвращался снова и снова. В этом случае речь уже идет не о новизне, а об узнавании. Это была любовь.

Полотно «Гранд-канал, Венеция» было написано в тот период, когда художник наконец-то позволил себе отказаться от написания портретов на заказ и стал работать исключительно над тем, что представляло для него наибольший интерес. В начале XX века он пишет множество венецианских пейзажей: величественные палаццо, залитые солнцем каналы и, конечно же, гондолы (лодки и корабли были едва ли не самыми любимыми объектами Сарджента).

После смерти матери в 1906 году, Сарджент начинает путешествовать еще больше. Художник отправляется на Майорку, Корфу, в Итальянские Альпы, в Тироль… Но все равно возвращается в любимую Венецию. Он делится своим восхищением с сестрами, племянниками и друзьями. Эти семейные поездки напоминают ему о том времени, когда он был ребенком и узнавал мир благодаря родителям. Его венецианским пристанищем становится Палаццо Барбаро – дом его друга и дальнего родственника Ральфа Кертиса.

Последнее путешествие в Венецию художник совершил в 1913 году. Первая Мировая война стала непреодолимым препятствием между Сарджентом и его любимым городом. А в 1922 году умер Ральф Кертис, после чего художник уже не мог воспринимать Венецию так же, как раньше, и больше ни разу сюда не возвращался. Остались лишь воспоминания и сотни акварелей, многие из которых даже не были датированы и подписаны.

#ДжонСарджент #Импрессионизм

"Старый дом Фэрбенкс, Дедхэм, Массачусетс"
1884 г.
Чайльд Гассам
Музей изящных искусств, Бостон.

Картины Гассама отражают его увлечение французским искусством и в то же время - сильную национальную гордость и его желаний писать на характерную американскую тематику. «Старый дом Фэрбенкс» представляет собой ранний образец обоих устремлений.

Приглушённые цвета картины, как и изображение сельского пейзажа, отражают интерес бостонских художников и коллекционеров, к кругу которых принадлежал Гассам, к барбизонской школе. Впервые Гассам ознакомился с работами французских пейзажистов барбизонской школы, когда влиятельный художник, педагог и коллекционер Уильям Моррис Хант представил американской публике художественные произведения Камиля Коро и Жана Франсуа Милле 1850-х годов. Начиная с 1882 года, Гассам перенял эту эстетику и перенёс её на пейзажи Новой Англии.

Интерес художника к пуританским корням и историческим строениям Новой Англии, таким как дом Фэрбенкс, скорее всего, возник во время его пребывания на должности иллюстратора, где он гравировал на дереве различные архитектурные объекты. После окончания гражданской войны общенациональный интерес к прошлому страны расцвел и лишь усилился во время празднования столетнего юбилея обретения независимости в 1876 году. Весь этот энтузиазм породил движение за сохранение и возрождение колониальной архитектуры, в особенности важных культурных памятников вокруг Бостона. Гассам и многие из художников того времени разделяли эти чувства и ответили на вновь возникший общественный интерес к живописи, изображающей американскую архитектуру, запечатлев множество городов Новой Англии.

Дом Фэрбенкс, расположенный в городе Дедхэм штата Массачусетс, построен между 1637 и 1641 годами Джонатаном Фэрбенксом, потомки которого продолжали жить там до ХХ века. Он является старейшим из сохранившихся каркасно-деревянных домов в Северной Америке, что было доказано дендрохронологическим тестированием. Дом был объявлен Национальным историческим памятником в 1960 году и внесен в Национальный реестр исторических мест.

#ЧайльдГассам #Импрессионизм

@AnychatBot

"Автопортрет. Ночной странник"
1924 г.
Эдвард Мунк
Музей Мунка, Осло.

Первый автопортрет Эдвард Мунк написал, когда ему было 19 лет. Последний – незадолго до смерти, когда ему был 81 год. Всего среди работ художника насчитывают 70 живописных автопортретов и больше сотни – в акварелях, рисунках, набросках и гравюрах. Чтобы сравнить масштабы, достаточно вспомнить, что самый последовательный и настойчивый автопортретист Рембрандт создал около 90 собственных изображений в разных техниках, автопортретов Фриды Кало (всю жизнь изучавшей себя саму) – больше 50. Дюрер, Ван Дейк, Сезанн, Ван Гог, Пикассо создали много автопортретов, но никто из них – столько, сколько Мунк. Каждый год, иногда недели и месяцы подряд Мунк писал себя – рассматривал и изучал нового человека, пришедшего на смену старому.

Автопортрет 1924 года «Ночной странник» - один из самых жутких. Ни автопортрет после испанки, ни даже автопортрет в аду не производят такого тревожного впечатления. Два самых красноречивых элемента любого портрета, по которым зритель привык узнавать об изображенном человеке, - это глаза и руки. Оба эти элемента на автопортрете Мунка отсутствуют. Освещение в ночной комнате ложится таким образом, что вместо глаз у человека на портрете – глухие темные провалы. Руки он спрятал в карманы или за спину. Вглядываться в этот портрет – все равно, что войти в комнату, где вместо окон темные пятна и не видно уровня пола, не видно даже, есть ли пол.

Здесь нет ни времени, ни места. Любой мало-мальски определенный ориентир снизил бы тревожность. Так, как на этом автопортрете, смотрят в зеркало, когда случайно проходят мимо него по темной комнате – и не узнают отражения.

На Мунке то ли домашний халат, то ли теплое пальто. Он то ли пришел, то ли собирается уходить. Он то ли дома, то ли в незнакомом месте. В любом случае эта комната – не безопасное место. Слишком тесное или слишком пустое. Мунк не узнает сам себя и не оставляет шанса узнать что-то зрителю. Он между мирами, между этапами жизни.

Мунк писал этот автопортрет на собственной вилле, которую купил в 1916 году, за 10 лет до этого. Он лечился от нервного срыва в психиатрической клинике, выжил после испанки (эпидемия испанского гриппа унесла жизни миллионов людей по всему миру), теперь он растит овощи и фрукты на земле, примыкающей к его дому. Мунку осталось работать всего 6 лет: в 1930 году случится кровоизлияние в его правом глазу – и в оставшиеся 14 лет жизни он будет писать совсем мало. Практически одни автопортреты. Объясняя как-то сосредоточенность на собственных переживаниях и собственной личности, Мунк писал, что только на первый взгляд это может показаться эгоизмом. На самом деле он верит, что тщательная фиксация состояний его ума и душевных переживаний, возможно, поможет кому-то в поисках истины. Любому, кто захочет пройти по личному аду художника Эдварда Мунка, в котором зеркала показывают незнакомые отражения с пустыми глазницами, стены комнаты зажимают человека в кольцо, а за окном – долгая норвежская зимняя ночь, которая не обещает дневного солнца и скоро сменится следующей долгой зимней ночью.

#ЭдвардМунк #Портрет #Экспрессионизм

@TelespaceNews

"Маленький кондитер"
1919 г.
Хаим Соломонович Сутин
Фонд Барнса, Филадельфия.

Этот «Маленький кондитер» положил начало славе Хаима Сутина и конец его нищете.

Именно его в 1922 году оценил американский коллекционер доктор Альберт Барнс, вернее, сначала его консультант Поль Гийом. Гийом купил картину и показал Барнсу «неслыханного, очаровательного кондитера из крови и плоти, с огромным, чудесным ухом, удивительным и прекрасно переданным». Барнс пришел в восторг и немедленно приобрел еще 50 работ ранее бедствовавшего художника для своего фонда в Мерионе.

Портреты Сутина отличает особенная деформация линий. Делал это он абсолютно сознательно, заявляя, что «деформация — это жизнь. Искусство Рафаэля, Тициана, конечно же, совершенно, но до смерти нудно. Это красота» (в последнее слово вкладывалась огромная доза отвращения).

Написанные Сутиным портреты сопоставимы с работами Нольде, Кирхнера. Нередко проводят аналогии с Ван Гогом, подразумевая силу и неистовство мазка.

Кондитер едва помещается на холсте, словно места слишком мало, чтобы выразить всю экспрессию охвативших художника чувств. Кажется, что Сутин писал в состоянии экзальтации, потому и некоторые черты на его портретах гиперболизированы – в данном случае это огромное оттопыренное ухо.

Этот портрет «Маленького кондитера» представляет собой настоящий шедевр с точки зрения колористики. Белый цвет для Сутина – второй самый любимый после красного. И здесь можно наблюдать невероятное смешение оттенков и вариаций на его тему. Такому изобилию шелковистых, кремовых, голубоватых, розовых, бежевых и тех, для которых и названий не придумано, оттенков белого даже признанный ас по оперированию этим цветом Морис Утрилло мог бы позавидовать.

#ХаимСутин #Экспрессионизм