نوای نی

#بــیــو تـلگرامتـو #انگلیسی کن😎
#کپشن انگلیسی بردار😻🖤👇

https://t.me/joinchat/AAAAAE5Sr-jBmznSgIQ2lQ

تأثیرات بر نی‌نوازی

حسن کسایی مانند....

تهرانی در تنبک،
احمد عبادی در سه‌تار،
علی‌اصغر بهاری در کمانچه و
فرامرز پایور در سنتور به نوعی از ابتدا شروع به ابداع تکنیک و پیاده کردن تمام دستگاه‌ها در ساز نِی نمود.

در گذشته صدای نِی، همراه با ناخالصی زیاد بود؛ یعنی نواختن آن به صورتی بود که تفاوت محسوسی بین صداهای اوج، بم و بم نرم نبود،
ولی استاد کسایی توانست با تغییر حالت در زبان، در محل استقرار زبان، حالت لب و فرم سر نی، صدایی بسیار شفاف و بدون ناخالصی از نی تولید کند.
همین پیشرفت باعث شد تا نوازندگی نی او، به رادیو راه پیدا کند.
تکنوازی‌ها و همکاری با نوازندگان و خوانندگان مشهور آن زمان چون

جلیل شهناز،
علی تجویدی، احمد عبادی،
تاج اصفهانی،
ادیب خوانساری و... باعث شد تا نی هم‌ردیف سازهای دیگر قرار بگیرد.

بعد از این دوره اغلب ارکسترهای ایرانی شروع به استفاده از این ساز کردند و این احساس نیاز باعث رشد روزافزون نوازندگان نی شد که حتی امروزه به عنوان یک رشته تخصصی در دانشگاه تدریس می‌گردد.

به گفتهٔ محمدرضا لطفی، نوازندهٔ تار و منتقد موسیقی...

حسن کسایی با مجموعهٔ
«ردیف نی»

که در هشتاد سالگی ضبط کرده بود- نخستین اثر آموزشی برای علاقه‌مندان به نی نوازی را مدون کرده بود.

نوای نی👇👇
@neynamee

✅چگونه گوش موسیقیایی خود را تقویت کنیم؟

همایون خشندیش: برخی از هنرجویان موسیقی برای تقویت گوش موسیقیایی خود با نوعی سردرگمی مواجه هستند. از طرفی امکان دارد حتی به کلاس های سلفژ و آواز رفته باشند و به نوعی آموزش های مربوطه را طی کرده اند، اما توانایی شنیداری خوبی ندارند. دلیل این امر چیست؟

انسان ذاتا یک موجود بصری است یعنی ابتدا به ساکن سعی می کند از طریق چشم هایش دنیای پیرامون خود را شناسایی کند اگر دقت کرده باشید اکثر افراد نابینا، دارای شنوایی قوی تری نسبت به افراد بینا هستند. دلیل این امر، استفاده بیشتر از گوش هایشان برای تشخیص موقعیت و کارهای روزمره است در حالی که افراد عادی و بینا به صورت غیر ارادی سعی می کنند ببینند تا بشنوند.

اما ما به عنوان یک علاقه مند به موسیقی برای تقویت گوش موسیقی خود چه کاری باید انجام دهیم؟ فرض کنید شما هم قرار است تمام دنیا را با گوش هایتان شناسایی کنید. با گوش هایتان ببینید و حس کنید برای انجام این امرباید عادت گوش کردن را مانند عادت دیدن تقویت کنید.

اول از هر چیزی در زمان شنیدن موسیقی ریتم است که جلوه می کند. سعی کنید ریتم ها را شناسایی کنید، وزن آنها را بشمرید سپس برای اینکه گوش خود را به صدای نت ها و لحن آنها حساس کنید باید موسیقی ای گوش کنید که دارای ملودی و هارمونی های متنوع و غنی است. در واقع ما برای اینکه عادت شنیدن را تقویت کنیم ابتدا باید یاد بگیریم موسیقی چگونه گوش کنیم و اساسا به چه نوع موسیقی گوش کنیم.

به یاد داشته باشید که آن چیزی که گوش شما را تقویت می کند شنیدن است. پس سعی کنید موسیقی خوب گوش کنید، منظور این نیست که موسیقی پاپ گوش نکنید، بلکه منظور این است که موسیقی ای گوش کنید که جدا از موسیقی تفریحی یا مثلا رقص است.عجله نکنید رقص هم برای فراگیری موسیقی بسیار حائز اهمیت است اما اینجا بحث توانایی شنیداری است.

بعد از تشخیص ریتم سعی کنید نغمه یا همان ملودی قطعه را با دهان خود تقلید کنید و در این کار جای نت ها را درست بخوانید. لازم نیست دقیقا همان را بخوانید هدف اینجا تقویت و تشویق گوش به شنیدن و دقت کردن است.هر چیزی در ابتدا با مشکل مواجه می شود اما بعدها به آرامی به عادت تبدیل می شود درست مانند قوه بصری شما که به دیدن عادت کرده.

آرام آرام هارمونی و صدای سازهای مختلف را در یک ارکستر می توانید تشخیص دهید. دقت کنید کلاس های سلفژ و آواز و غیره تماما آموزش هایی می دهند که شما را درگیر مبحث شنیدن کنند. مانند تشخیص فواصل، گام ها،آکوردها، دیکته موسیقی و ...

پس فراموش نکنید برای عادت درست شنیدن نیاز به گوش دادن با دقت فراوان به موسیقی دارید.سعی کنید در خلوت و با تمرکز زیاد به موسیقی گوش کنید. صداهای مزاحم را قطع کنید. مثلا موبایل و...
نوای نی👇👇
@neynamee

✅کوارتت و انواع آن

كوارتت فرمی از موسیقی مجلسی به شمار می‌آید.كمپوزسیون یا ساختاری موزیكال برای چهار ساز یا پنج آواز، زیرا هر خواننده یا ساز بخشی جداگانه دارند.
● كوارتت ادوات‌سازی كوارتتی است برای سازها.
تركیبات متعددی در كوارتت وجود دارند كه آشناترین آنها كوارتت سازهای زهی است كه چهار ساز زهی را در بر می‌گیرد. نخستین و دومین ساز، ویولن، ویولا، پیانو و ویولنسل و كوارتت سازهای بادی كه بستگی به نوع سازهای بادی پیدا می‌كند.در كوارتت سازهای زهی، پیوسته تقریبا‌ً از ویولن، ویولا و ویولنسل نقش دارند. كوارتت سازهای بادی (غالباً فلوت، اوبوا، كلارینت و باسون) و كوارتت سازهای برنجین (یا دو ترومپت، هورن، ترومبون و یا تركیباتی دیگر) و كوارتت تركیبی (سازهای برنجین و بادی چون فلوت، كلارینت، بوق كلارینت، بوق و باسون) كوارتت پیانو از زمان موتسارت (توسط موتسارت كه آهنگسازان كمتر به آنها توجه داشتند) رواج یافت.
كوارتت آوازی (وكال) كمپوزسیوبرنی برای چهار خواننده كه هر كدام اجرای بخش جداگانه‌ای از سوی موسیقی را بر عهده می‌گیرد. مهم‌ترین این نوع كوارتت، كوارتتی است برای خواننده سوپرانو، آلتو، تنور و باس ساخته شد.با این همه كوارتتی نیز برای نخستین و دومین سوپرانو با نخستین و دومین آلتو و كوارتتی برای نخستین و دومین تنور با باریتون و باس ساخته شد.كوارتت آوازی احتمالاً ابتدایی‌ترین شكل چهار بخشی موسیقی كه قدرت آن به سال ۱۴۰۰ باز می‌گردد. كوارتت آنسامبل برای چهار ساز و یا چهار آواز. كوارتت سازهای زهی یا كمپوزسیونی برای چهار ساز زهی كه در آن هر ساز بخش خود را اجرا می‌كند.
كوارتت سازهای زهی سنتی، بخشهایی را برای اجرای ویولن اول، ویولون دوم، ویولا و ویولنسل معین می‌كند.كه از رایج‌ترین شكل موسیقی به شمار می‌آید، كه رپرتواری از هزاران كمپوزسیون به دست می‌دهند.اگر چه برای سازهای زهی از قرن ۱۶ و ۱۷ تصنیف شدند، تاریخ كوارتت زهی با آثاری از هایدن در ۱۷۵۰ آغاز گشت.
این قطعات هنوز به طور وسیعی به سبك یك دیور تیمنتو (واسطه آزاد) (قطعه سازی كه از نیمه دوم قرن ۱۸ به كار برده شد كه حالت و صورت یك سوییت یا یك سمفونی را جفت و جور می‌كند و در حقیقت رابطی است میان بخشهای گوناگون و اجزاء یك قطعه بزرگ. دیور تیمنتو هم برای سازهای زهی و هم برای سازهای زهی و یا برای هر دو توأمان. دیور تیمنتو غالباً برای سازهای زهی وجود دارد و هم برای سازهای بادی.)در ۱۷۶۰ هایدن چهار موومان در كوارتت بگنجاند و سبك كوارتت سازهای كلاسیك سازهای زهی كوارتت را با سازهای زهی كلاسیك با ا‌ُپوس تمایز كند.
در میان بهترین انواع آنها می‌توان از كوارتت امپراتور در دو كوارتت تیغ (Rezor) شش كوارتت آفتاب كوارتت، كوارتت سواره‌نظام در دو مینور، كوارتت شكار ) در سی بمل ماژور، كوارتت چكاوك نام برد.
موتسارت بیش از ۱۲ كوارتت تصنیف كرد كه برخی از آنها عنوان شكار، سه كوارتت پروسی‌، كوارتت در دو ماژور و شش كوارتت هایدن را به خود گرفتند.بوچرینی ایتالیایی آهنگسازی بود كه بیشترین كوارتتها را (در حدود ۱۰۰ كوارتت) تصنیف كرد كه با كوارتتهای هایدن و موتسارت بیشترین آنها در كیفیت حد وسط را داشتند. بتهوون ۱۶ كوارتت تصنیف كرد كه از لحاظ فرم و كیفیت یكتا و منحصر به فرد بودند. به ویژه كوارتتهایی كه در دو سال اواخر عمرش نوشت.(۱۸۲۷ـ۱۸۲۵) كه فرمی ورای سونات كلاسیك (با چهار ساز) داشتند.
در میان این كوارتتها، كوارتت فوگ بزرگ ا‍‌‍ُ‌ُپوس۱۳۳ كه در واقع موومان فینال یك كوارتت اولیه به شمار می‌آمد، اما به خاطر پیچیدگی از دیگر كوارتتهایش متمایز می‌گشت.در این كوارتت بتهوون از آوردن جشنها در آن خودداری ‌كرد. فقط یك اورتور و فوگ در آنها گنجانید.در اواخر قرن ۱۹ كوارتت سازهای زهی تاریخی متغی‍ّر داشت. شوبرت چند كوارتت تصنیف كرد كه ۱۴كوارتت زیبا تصنیف كورتت كوارتت ارگ و دوشیزه معروف است.
شومان ومندلسون، كروبینی، سزار فرانك، اسمتاناو دورژاك همگی به تصنیف كوارتت همت گذاشتند. اما سه‌كوارتت برامس كه ساخته رفیع پیشین را به خود گرفت.دو‌بوسی و راول هر كدام یك كوارتت تصنیف كردند.
آهنگسازان قرن بیستم با شوق و حرارت بیشتر به تصنیف كوارتت پرداختند. شاید بتوان گفت كه در نیمه اول قرن بیستم شش كوارتت از بارتوك كه بین سالهای ۱۹۱۰ تا ۱۹۳۹ بارتوك تصنیف كرد كه شهرت بیشتری پیدا كردند.شونبرگ، برگ، وبرن همگی به نوشتن كوارتتهای سازی زهی تمایل داشتند. آهنگسازان نئوكلاسیك فرم استراوینسكی را در نوشتن كوارتت برگزیدند.
گلارونف، چارلز آیوز، سیبلیوس، ادگار یا ناجك، شوست كویچ، الیوت، و كارتر مندریسكی نیز دست به نوشتن كوارتت پرداختند.
منبع : پایگاه رسمی انتشارات سوره مهر همایون نور احمر
نوای نی👇👇
@neynamee

کدام ساز؟؟
بدون تردید همه ما انسانها به موسیقی علاقه داریم و توانایی یادگیری آواز خوانی و حتی نواختن ساز را کم و بیش دارا هستیم. بخصوص هنگام نوجوانی این علاقه فطری برای یادگیری بیشتر در درون ما جلوه میکند. بسیاری از پدران و مادران که در دوران کودکی و نوجوانی توفیق یادگرفتن یکی از شاخه های هنر موسیقی را نداشته اند، هم اکنون با علاقه به موسیقی گوش می دهند و در عوض سعی میکنند تا فرزندان خود را از فراگیری این هنر روح نواز محروم نکنند.

کدام ساز؟!
اولین سوال برای هنرآموز یا والدین او این است که کدام ساز را آموزش ببیند و یا اینکه به رشته خوانندگی قدم بگذارد؟ کارشناسان آموزش موسیقی معتقد هستند که:
“نوع ساز به هیچ وجه مهم نیست، نباید انتظار داشته باشید که فرزند شما همانند فلان موسیقی دان مهارت ساز زدن پیدا کرده و الگوهای قدیمی را دنبال کند. مهم آن است که فرزند شما بتواند با ساز انتخابی ارتباط برقرار کند و بتواند نوآوری های جدیدی در نواختن یا استفاده از ساز داشته باشد، موفقیت یعنی همین.”
امروزه اغلب کودکان با سازهایی مانند ویلن، فلوت ریکوردر و یا پیانو در شاخه غربی و با سازهایی چون سه تار و سنتور در شاخه ایرانی کار را آغاز می کنند. اما نکته مهم آن است که بتوان در مدت فراگیری، تشخیص داد که آیا کودک با ساز خود ارتباط لازم را برقرار کرده یا خیر؟ اگر کودک شما بی صبرانه منتظر فرا رسیدن زمان کلاس خود می شود و یا اغلب با ساز خود خلوت می کند شک نکنید که انتخاب درستی انجام داده اید.
@neynamee
برای پیدا کردن اینکه فرزند شما به چه سازی علاقه دارد و یا از چه سبک موسیقی بیشتر لذت میبرد، بکار بردن پیشنهادهای زیر می تواند مفید واقع شود :
1- امکان گوش دادن و مشاهده نحوه نواختن انواع سازهای ممکن را بدون آنکه او متوجه شود شما هدف خاصی را دنبال می کنید برای او فراهم نمایید.
2- هنگامی که با هم از رادیو ضبط به موسیقی گوش می دهید و یا به کنسرت رفته اید راجع به سبک موسیقی – کلاسیک، اصیل، پاپ و … – با او صحبت کنید.
3- فقط به فکر انتخاب ساز نباشید، موارد دیگری نیز مهم است. بعنوان مثال هنرجویان کودک گیتار به مراتب کمتر از هنرجویان کودک فلوت ریکوردر هستند. ممکن است با فرستادن فرزند خود به کلاس گیتار – که به احتمال زیاد خلوت است – ذوق موسیقی در او کمرنگ شود حال آنکه اگر به کلاس فلوت فرستاده می شد به علت شرکت بیشتر هم سن و سالهای او، علاقه به موسیقی در او متبلورتر می گشت.
4- قبل از قول دادن به کودک که فلان ساز را برایش خواهید خرید از قیمت آن مطلع شوید تا با بودجه شما هماهنگی داشته باشد.
5- به احتمال زیاد فرزند شما در اوایل کار از دشوار بودن یادگیری شکایت خواهد کرد، توجهی نکنید و تنها سعی کنید او را تشویق به یادگیری کنید.
6- تجربه نشان داده است که سازهایی مانند ریکوردر یا پیانو برای شروع کار کودکان مناسبتر هستند و برعکس سازهای مضرابی یا آرشه ای دشوارتر، لذا جز در موارد خاص سعی نکنید که این قانون را زیر پا بگذارید. پس از چند سال تمرین و آشنایی با موسیقی فرزند شما می تواند ساز اصلی خود را انتخاب کند.
7- علاوه بر همه موارد بالا باید دقت کنید که آیا در منزل خود فضای نگهداری ساز را دارید یا خیر؟ و اینکه سر و صدایی که این ساز ایجاد خواهد کرد آیا ممکن است مزاحم زندگی دیگران شود؟ شاید قبول نکنید ولی همین موضوع اخیر می تواند مانع تمرین و پیشرفت فرزند شما شود.
نوای نی👇👇
@neynamee

✅مدولاسیون

به معنای تغییر تونالیته می باشد و بیشتر برای جلوگیری از یکنواختی و ایجاد کنتراست در موسیقی بکار برده می شود. هرچند هرگز نمی توان برای هنر چهارچوب تهیه کرد اما روشهای مختلفی برای انجام مدولاسیون در موسیقی وجود دارد که اغلب آنها ابتدا سعی در سست کردن پایه های تنالیته مبدا و در عین حال تقویت پایه های تنالیته مقصد را دارند.

در این مطلب به طور خلاصه به تعریف یک سری تقسیم بندی می پردازیم و در آینده سعی خواهیم کرد با ذکر مثال به تشریح بیشتر مدولاسیون بپردازیم.

Pivot chord modulation :
در این روش از آکوردی برای انتقال استفاده می شود که در هر دو تنالیته مبدا” و مقصد مشترک می باشد بعنوان یک مثال ساده، اگر از دو ماژور بخواهید به فا ماژور برویم می توانیم از آکورد فاماژور بعنوان آکورد Pivot یا محوری استفاده کنیم.

Relative key :
حالتهایی است که در آن تنالیته موسیقی روی مثلا” دو ماژور تثبیت شده است و شما می خواهید به مینور نسبی آن یعنی لا مینور بروید، که از ساده ترین روشهای مدولاسیون می باشد.

Parallel Key :
در این حالت تنالیته با حفظه پایه از حالت بزرگ به کوچک می رود یا برعکس مثلا” از دو مینور به دو ماژور.

Shift :
در این روش بزرگی یا کوچکی تنالیته عوض نمی شود بلکه فقط یک شیفت فاصله ای پیدا میکند. مثلا” از دو ماژور به ر ماژور. اغلب در بالاد ها به علت داشتن ساختارهایی ساده از این روش برای ایجاد تنوع استفاده می شود.

Choromatic :
در این روش موسیقی با یک حرکت کروماتیک نیم پرده ای به تنالیته جدید منتقل می شود. این نوع از مدولاسیون حالت خاصی است از Shift که برای آن معمولا” تمهیدات خاصی در نظر میگیرند.

جدای از تقسیم بندی های بالا و روشهایی که برای انجام مدلاسیون در هر مورد مطرح میشود، نکته ای که باید به آن دوباره اشاره کرد، آن است که موسیقیدان باید با تاکید بر آکوردهای دوراز تونالیته مبدا و نزدیک به تنالیته مقصد پایه های تنالیته مبدا را ضعیف و پایه های تنالیته مقصد را تقویت می کند و در شنونده نیاز به فرود روی تنالیته مقصد را پدید می آورد
نوای نی👇👇
@neynamee

اطلاعیه👇👇

✅توصیه های زنده یاد استاد پایور به هنرمندان و هنر دوستان

توصیه به هنرمندان:

🎶 لزوم ایستادگی و استقامت هنرمندان در برابر مخالفت هایی که با موسیقی میشه.

🎶 اهمیت حضور جوانان در حفظ و نگهداری موسیقی و پایه گذاری آینده موسیقی

🎶 مفرور نشدن به دانسته ها و مهارت های فعلی و تلاش بیشتر در جهت افزایش محتوا و معلومات و محفوظات از موسیقی اصیل ایرانی

🎶 ارائه موسیقی ای که حرمت داشته باشد.

🎶 موزیسین بایستی در جهت حفظ شخصیت و حرمت خود و موسیقی خود کوشا باشد. کار خود را سبک نکند و رفتارش هم متناسب با شان یک موسیقی دان باشد

توصیه به هنردوستان:

🎶باید قبول کرد که موسیقی هم یک نوع علم هست. علمی است که باید فراگرفت و هرچقدر بیشتر فرا گیرید، بیشتر درکش می کنید و از شنیدن موسیقی خوب بیشتر لذت می برید.

🎶 مشکل ما از شنونده هاست. وقتی شنونده از موسیقی مبتذل خوشش میاد و به موسیقی خوب موزیسین ها اهمیت نمی دهد، موزیسین مجبور می شود سطح کار خودش را متناسب با نیاز مخاطب پایین آورد و اینچنین می شود که موسیقی خراب می شود.

🎶 نیاز است تا شنوندگان موسیقی را تحصیل و مطالعه کنند تا بتوانند آن را درک کنند و از آن لذت ببرند. وقتی شما موسیقی را تحصیل کنید دیگر از موسیقی بد، پیش پا افتاده و مبتذل لذت نمی برید. در نتیجه سطح انتظار شما از موسیقی بالا می رود و اگر موزیسین ها مبتذل هستند خودبه خود کنار می روند یا خودشان را اصلاح می کنند و موزیسین های خوب موسیقی خود را ارائه می کنند و تشویق می شوند. در نتیجه سطح فرهنگ موسیقی مملکت ما بالا می رود. این است که شما باید موسیقی خوب را از طرق مختلف مانند گوش کردن، تحصیل، مطالعه و مباحثه و ... یاد بگیرید تا موسیقی بد، خود به خود کنار رود.
نوای نی👇👇
@neynamee

✅چند تعریف کلی مربوط به ریتم

الف:
ریتم سیمای امتداد زمانی صداها و سکوتها و تاکیدها و تناسب های آنها با یکدیگرند.

ب:
توالی دیرندهای مختلف صداها و سکوتها تولید ریتم میکند.

ج:
توالی صداهای دارای دیرند متساوی که در نقاطی دارای تاکید باشند نیز ریتم را بوجود میاورد.
نوای نی👇👇
@neynamee