Bidibidobidiboo

Я хотела бы поделиться своими размышлениями о выставке, которая сейчас идёт в галерее «Арка» и приурочена к её 30-летию. Это, без преувеличения, одна из самых сильных экспозиций за последнее время, собранная из местного художественного материала. Более того, я позволю себе назвать её лучшей среди всех текущих выставок, в которых представлена приморская живопись — по ясности замысла, точности отбора и эмоциональной энергии.

Экспозиция составлена из частной коллекции семьи Глазковых. В этом — особая глубина: мы видим не просто срез художественной жизни региона на рубеже XX–XXI веков, а воплощение личной оптики, внутренне последовательного и вдумчивого коллекционера. Здесь каждый выбор сделан не только из вкуса, но из понимания исторической значимости. Коллекционер выступает как соавтор культурной памяти — и в этом выборе чувствуется и чуткость к художнику, и интуиция того, что останется важным на десятилетия вперёд.

На выставке представлены ключевые фигуры приморской живописи: Горбачёв, Шебеко, Старовойтов, Цой, Бутусов, Шлихт, Гончаренко, Киряхно и другие. Эти имена — одновременно школа и индивидуальные траектории. Мы видим, как из академической базы рождались собственные художественные языки, как мастера искали новые приёмы, расширяли границы, переходили от фигуративной живописи к экспрессии, от ремесла — к высказыванию, от формы — к философии. Это выставка о формировании визуального мышления в Приморье, о его внутреннем напряжении и свободе.

Особое место в экспозиции для меня занимают объекты Олега Батухтина. В последние годы всё чаще обсуждается роль куратора как соавтора выставочного проекта — не только того, кто отбирает работы, но и того, кто создаёт идею, формирует смысловое ядро, закладывает теоретический фундамент, задаёт ритм высказыванию. Наше сотрудничество с Олегом стало примером именно такого диалога ещё в 2013 году на выставке «Стихии». Позволю себе сказать, что это — один из самых цельных и органичных проектов художника: в нём есть масштаб, сдержанная энергия и точность художественного языка. Объекты из серии «Стихии» сегодня вписались в новую интенцию выставки с тем же внутренним весом и ясностью. Мы продолжаем сотрудничать с Олегом и вне институциональных рамок: так, в 2023 году в рамках проекта «Метацентры» в сквере напротив Водоканала была установлена его инсталляция «Буйки» — продолжение и развитие визуального языка, который, во многом, формировался и в стенах галереи «Арка».

В качестве эпилога скажу: эта выставка — не просто юбилейная. Это своего рода портрет города-порта, рассказанный через живопись, через историю отношений художников и коллекционеров, кураторов и идей. Это выставка, на которой становится ясно, что такое настоящая живопись и почему она по-прежнему имеет значение. Она не только будит взгляд — она пробуждает уважение. К искусству, к месту, к времени, которое оно способно сохранить.

Конечно, это и рекомендация сходить посмотреть.

Друзья, 26 июня в кинотеатре Уссури состоится лекция из цикла «Искусство на большом экране» - «Северное Возрождение — эпоха красоты к северу от Альп». Предлагаю совершить личное путешествие в эпоху, где красота была наполнена тишиной, точностью и тайным смыслом). Лекция посвящена жизни и творчеству великих мастеров Северной Европы XIV–XVI веков: Яну ван Эйку, Роберу Кампену, Рогиру ван дер Вейдену, Хуго ван дер Гусу, Гансу Мемлингу и Квентину Массейсу — художников, изменивших само представление об изображении реальности.
Мы поговорим о «Портрете четы Арнольфини» Яна ван Эйка – как из личной сцены создаётся образ целой эпохи; о «Меродской триптихе» Робера Кампена — первом реалистичном интерьере в живописи и революции в изображении света; «Снятии с креста» Рогира ван дер Вейдена — о боли, которой дана форма; о «Страшном суде» Мемлинга — страхе и надежде одновременно. Эти произведения поражают тончайшей проработкой деталей, символизмом и глубокой человечностью. Мы увидим, как художники Севера первыми наделили краску интимной точностью, сделав картину не просто окном в мир, а пространством для личного переживания. Предполагаю, что, погрузившись в произведения художников Раннего Возраждения, вы даже не заметите, что нас разделяют столетия)
Ссылка на билеты: https://illuzion.ru/tickets/seats?showId=uss_227330

Поделюсь своими планами на завтра. Завтра в кафе Симпли (Светланская,9) будет первая лекция, на которой я хотела бы рассказать о художниках, которых знаю лично. Это дань уважения Илье и Эмилии Кабаковым, которые ни один раз поддерживали меня и буквально помогали. К сожалению, два года назад в мае 2023 года Ильи Кабакова не стало, но Эмилия активно продолжает работать. Там такой багаж сделанного, что все рассказать за одну встречу невозможно, но я постараюсь всех заинтересовать! Илья Кабаков был феноменом в мире современного искусства и самым дорогим российским художником, ярчайшим представителем московской школы концептуализма, родоначальником жанра «тотальной инсталляции», а после возникшего дуэта с Эмилией внимание к творчеству супругов- соавторов только возросло. Каждую фразу из предшествующего предложения я аргументирую). Об этих художниках нужно знать. Правда, количество мест ограничено

Уже в последнем вагоне, но считаю, нужно вспомнить, что 30 марта 1746 года родился Франсиско Гойя. По этому случаю делюсь своей любимой картиной из серии «Мрачные картины», созданные для украшения дома художника, названного «Домом глухого». Позднее, уже после смерти художника, фрески были перенесены на холсты, и сейчас их можно увидеть в музее Прадо, Мадрид.
На картине небольшая фигура собаки, словно утопающей в зыбучих песках, смотрит вверх с тревогой. Огромное пустое пространство вокруг усиливает ощущение одиночества и неизбежности судьбы.
Некоторые искусствоведы считают, что собака символизирует борьбу за жизнь

Сегодня открывается выставка Лены Никитиной в галерее Арка, нужно идти и смотреть

И раз такой случай, я не случайно привела подсолнухи Кифера. Совсем недавно в Союзе художников была выставка, на которой Марина Пихтовникова показала свою новую работу «Семечки». Тогда было не совсем уместно проводить какие-то параллели с творчеством немецкого художника, да и сейчас не совсем, так как Марина работает в совершенно другой парадигме, но меня стриггерило, поэтому воспользуюсь поводом, чтобы добавить пару фраз о натюрморте Марины.
На картине изображены увядшие подсолнухи, чьи тёмные сердцевины усыпаны рассыпанными семенами. Этот образ, на первый взгляд, передаёт ощущение покоя и завершённости цикла. Но, если приглядеться, в нём таится жизнь: каждый семечко – это потенциальное начало чего-то нового. Семена подсолнухов, словно осколки солнца, напоминают о вечном круговороте: от расцвета до увядания и снова к рождению. Как и в работах немецкого художника, в «Семечках» Пихтовниковой есть этот контраст: хрупкость и упадок противостоят внутренней силе возрождения.
Картина «Семечки», на мой взгляд, получилась удивительно созвучной философии Кифера – она напоминает нам, что в самой глубине забвения таится зерно будущего расцвета. И даже если Марина в своем творчестве делает другие акценты, я не могла не поделиться своими мыслями. Тем более, кто-то мне сказал, что ему картина «Семечки» «не зашла», а мне наоборот.

Хотя 8 марта было позавчера, все же напишу, что Ансельму Киферу исполнилось 80! Его произведения впервые я увидела лет 15 назад и всё - не могу пройти мимо с тех пор. Очень глубоко, эмоционально и по-настоящему. Он действительно по праву один из самых влиятельных современных художников Германии. Кифер родился в 1945 году и за прошедшие десятилетия стал символом глубокого осмысления истории, памяти и цикличности природы. Его работы – это масштабные полотна и инсталляции, где он часто использует металл, пепел, высушенные растения и другие необычные материалы, превращая их в мощные визуальные метафоры возрождения и обновления. Кифер однажды обращался к теме семян и поля, проводя параллели между исторической памятью и ростками надежды. По Киферу, «живопись есть философия», поэтому только любоваться его произведениями не получится. Приведу всего лишь две его картины, но очень атмосферные.

Чуть раньше, чем Петрус Кристус, Портрет дамы (ок.1460 г, 34 х 25,5 см) написал Рогир ван дер Вейден. Иногда я просто открываю файл с репродукцией и рассматриваю женщину, имя которой до сих пор доподлинно не известно. Этот портрет входит в коллекцию Нац. галереи искусства в Вашингтоне. Про него пишут, что он «выдающийся среди всех портретов женщин всех школ».
Ван дер Вейден использует интересные приемы: руки модели сложены как при молитве и расположены в самом низу картины, поэтому кажется, что они служат опорой всему телу модели. Тонкие пальцы модели чётко детализированы - через изображение рук и лица показывал социальное положение своих моделей. Согнутые пальцы модели повторяют пирамидальную форму головного убора в верхней части портрета. И обратите внимание на кольца, одно из которых молодая женщина носит на мизинце - какая элегантная деталь. Изысканное черное платье, акцентный красный ремень с ажурной пряжкой, вуаль, которая не скрывает, а привлекает внимание к лицу). Рогир ван дер Вейден изображал вуали с характерными изломанными линиями и складками не случайно. Он использовал этот приём, чтобы подчеркнуть игру света и тени, мастерски передать текстуру ткани и создать ощущение динамичности в статичном образе. Такие «изломы» делают вуаль живой и чувственной, придают женскому портрету загадочность и глубину, символизируя тонкий баланс между внешним обликом и скрытой внутренней сущностью. Этот художественный приём отражает как техническое мастерство художника, так и его стремление раскрыть многогранность женской натуры, что является отличительной чертой раннего северного Возрождения. Потрясающе. Согласны?)

Леонардо да Винчи было приблизительно 13-18 лет, когда Петрус Кристоф (Кристус) написал портрет молодой женщины. Каждый, кто видит эту картину, думаю, впадает в гипнотическое состояние, когда невозможно отвести глаз от этого загадочного лица. Размер картины - лист формата А4: 28х21 см, дерево, масло.
Портрет девушки» Петруса Кристуса – одна из самых загадочных жемчужин фламандской живописи. Её взгляд – одновременно застенчивый и дерзкий, задумчивый и слегка надменный – сравнивают с улыбкой Моны Лизы, ведь он тоже кажется неуловимым и меняется в зависимости от угла зрения. В 1492 году картина числилась в реестре имущества Лоренцо де Медичи. Уже в то время картина стоила необычайно дорого – 40 флоринов – и выставлялась для публики, так что да Винчи вполне мог ее видеть. В XIX веке картину приобрели для короля Пруссии Фридриха Вильгельма III, который мечтал создать коллекцию, превосходящую Лувр. Так «Портрет девушки» оказался в Берлинской картинной галерее, где находится и поныне – по-прежнему околдовывая зрителей своим тихим, почти гипнотическим очарованием.
Потрясающий портрет. Удивительные глаза девушки - миндалевидные, со слегка восточным разрезом. Специалиста, кстати, отмечают лёгкое косоглазие у модели, что придаёт ее взгляду мистическую пронзительность и некоторую тревожность. Но это не единственный портрет Северного Возрождения, который в моей личной подборке шедевров). Завтра еще один покажу.
Пока март, думаю, вполне оправданно говорить о женском магнетизме)